¿Cuántas veces nos hemos sentido atrapados en nuestras propias ideas? Seducidos por la imaginación, hasta llegar al punto en que nos deprendemos de la realidad, realidad que nos parece aburrida, monótona, rayando en lo insufrible, ese es el momento en que nos cuestionamos cual es la verdadera realidad, si es que existe una, o sólo son una serie de eventos que por la rutina nos parecen cotidianos, ¿será que la realidad es aquella que nos sigue sorprendiendo? ¿La que nos agrada más? ¿Pero por cuánto?

Esas son las preguntas que tienen su origen mientras vemos Inception, escrita y dirigida por Christopher Nolan, con un elenco encabezado por Leonardo DiCaprio, quien interpreta de manera correcta a Dom Cobb, un extractor de ideas que utiliza los sueños como medio para hacerlo, pero que se encuentra atrapado en sus propios sueños tormentosos, en los que se ve seducido por la imagen de su esposa, interpretada maravillosamente por Marion Cotillard, que te quita el aliento en cada escena en en la que aparece; Cobb es contactado por Saito, intepretado de manera pasable por Ken Watanabe, un empresario en busca de un monopolio pero detenido por su competencia, el heredero del nuevo imperio de energía, Fischer, interpretado por Cillian Murphy, que parece ya estar obligado en cualquier film de Nolan, a quien le tienen que insertar una idea, para así destruir su propio imperio. Cobb es auxiliado por un equipo liderado por Joseph Gordon-Levitt, que interpreta a Arthur que se dedica a investigar cada aspecto del sujeto a quien entraran, después tenemos a Ellen Page, quien interpreta a Ariadne, una arquitecta que ayudará a Cobb a diseñar el sueño en el que insertarán la idea, además de ayudarlo a salir de su propio laberinto, y por último pero no menos importante Tom Hardy, que interpreta carismáticamente a Eames, que se encarga de personificar a alguien del mundo físico.

Pero está película es todo acerca de Nolan, quien crea un laberinto tan perfecto, al cual aún no encuentro falla alguna aún, un laberinto basado en el proceso en el que nos encontramos todas los días, el soñar y la incapacidad de hacerlo, soñar que existimos o el existir al soñar, o vivir en la realidad creada por la fantasía de nuestras propias mentes, todo es explorado alguna vez en la vida, ¿en verdad existimos o existimos al soñar?

El sueño se vuelve aún más creíble gracias a la experiencia creada por Hanz Zimmer como banda sonora, que nos hace sentir dentro de este sueño, no el de Cobb, el de Nolan, un sueño que le tomó años para darle forma, y buena forma que le dió, un sueño que no se trata tanto de los límites que se pueden lograr con la mente, que si los empuja al límite, sino que se trata de los fantasmas y arrepentimientos de el atormentado Cobb, al cual estamos tan conectados que nos hace hasta cuestionar nuestra existencia y realidad. ¿Será que Nolan es Cobb? Y al adentrarnos en este laberinto también nos estamos adentrando al laberinto de la mente de Nolan.

Y bueno, ¿hay alguna meta más grande para un cineasta que la de mostrarnos sus secretos para así nosotros contar los nuestros?

10

Muy pocas veces en el cine mexicano se llegan a explorar historias pequeñas con tanto éxito como lo hace Diego Luna con esta cinta acerca de un niño con problemas mentales que a la ausencia de un padre en su familia, adopta la figura paterna; lo que empieza uniendo a la familia, pero termina haciéndole más daño.

Abel es interpretado por el debutante Christopher Ruiz-Esparza, que lo hace de una manera tan natural que nos hace sentirnos conectados con él, y en realidad creemos en su autoridad como padre ante su hermana adolescente y su pequeño hermano que le tiene miedo. Todo viene de manera inocente hasta que empieza a tomarse más en serio su papel como esposo de su madre interpretada por Karina Gidi, quien nos regala una gran actuación, nunca fría, sino siempre entregada a sus hijos, a Abel.

La historia se desarrolla en Aguascalientes en la casa de Abel en un fraccionamiento abandonado, en donde los problemas económicos abundan y la presión aumenta cuando el papá de Abel regresa con dobles intenciones, interpretado por José María Yáspik, quien rompe la frágil estabilidad creada por Abel, cuestionando la estabilidad moral de los personajes, quienes no se sabe si buscan que Abel tenga paz, o ellos tener calma en sus vidas.

El mayor problema de la cinta es que la sosa conclusión del relato queda corta a una gran introducción de personajes, en la cual el personaje de Abel no pronuncia una sola palabra hasta el minuto 17 en un cómico inicio de la odisea familiar, sino que en vez de desarrollar más la enfermedad de Abel, se resuelve con simpleza sin clímax que afecte realmente la vida de la familia.

La historia minimalista contada a través del punto de vista de Abel, se ve apoyada por una gran fotografía por Patrick Murguía, que tiene sus mejores momentos al principio de la cinta y el las tomas a los rostros de los protagonistas de este drama vendido como comedia.

CALIFICACIÓN:

6.5

TOY STORY 3

En 1995 se estrenó Toy Story, hace 15 años, me es prácticamente imposible no sentirme conectado con éstas películas, ya que cuando se vive desde los primero años de tu vida con algo, es muy difícil no extrañarlo, y es lo que precisamente me ocurrió, se podría decir que toda mi infancia se vio marcada por ellas, a mis 16 años de edad, es casi imposible no creer que he crecido con esta franquicia, y con los entrañables personajes que se nos plantean.

La historia comienza con una asombrosa persecución a toda velocidad creada por la mente de Andy, cuando su  mayor alegría era la de jugar e imaginar con sus compañeros de plástico; vemos como va creciendo, hasta llegar al punto en que tiene que marcharse a la universidad, con la obligación de dejar atrás su niñez y con ella, sus preciados juguetes. “Liderados” por el siempre obsesivo Woody que está hundido en la tristeza después de haber sido olvidado por su preciado Andy, tratando de ser recordado; pero cuando la mamá de Andy por equivocación, como de costumbre, se los lleva a la Guardería Sunnyside la mayor pesadilla de los juguetes se torna realidad, no sólo ser abandonados, sino ser maltratados y sometidos.

Ésta entrega nos muestra los increíbles lazos que se crean cuando nos identificamos como una familia, no sólo con Andy, sino entre ellos manteniéndose unidos, a pesar de la enfermiza obsesión por Andy que tiene Woody, basada en falsas esperanzas y ciega confianza.

El problema recae en la primer parte de la película, en la que se nos presentan a la infinidad de nuevos personajes, y las emociones que se trataban se sienten como plástico, controlables y predecibles, pero todo mejora cuando se convierte en una aventura de escape, en la que no sólo abundan los momentos entrañables y sinceros, sino que da pie a que se muestre la verdadera naturaleza de los seres humanos, la de seguir adelante, no importa la nostalgia que se nos presente, es mejor buscar a un nuevo mañana.

La película no es para todo el público, como se nos quiere hacer creer, como se puede notar en la sexualidad de Ken, pero no es de los niños de las personas que me preocupo, sino de los mojigatos que pegan grito en el cielo, mientras los niños ya están acostumbrados a toda esta clase de bromas de doble sentido, que obviamente entienden.

También cabe resaltar la calidad de animación que Pixar ha alcanzado en Toy Story 3, convirtiéndose desde la primera película de animación hecha por computadora, hasta un paisaje de diferentes texturas, colores y movimientos, que hubieran sido imposibles en las primeras obras de Pixar, como por ejemplo la textura de Lotso, con pelaje animado individualmente.

CALIFICACIÓN:

8.5

En las siguientes semanas iré mostrando y analizando el cine de mis directores preferidos, directores que muchos odiarán, algunos otros amarán y que todos dieron de qué hablar, aquí la lista de los incomparables grandes que no deben dejar de ser vistos.

ALEJANDRO JODOROWSKY

LUIS BUÑUEL

DARREN ARONOFSKY

MICHAEL HANEKE

QUENTIN TARANTINO

MICHEL GONDRY

CLAIRE DENIS

CARLOS RE YGADAS

PAUL THOMAS ANDERSON

DAVID LYNCH

NO ERAN LÁGRIMAS! ME SUDABAN LOS OJOS.

En la fiebre por retratar seres mitológicos y adaptar a autores ingleses, DreamWorks presenta su 19vo largometraje animado, Cómo entrenar a tu dragón, historia construida a partir del primer libro de los ocho que componen la colección escrita por Cressida Cowell. Aquí se retrata la vida de un adolescente vikingo que es rechazado por su comunidad al no desarrollar músculos, no usar armas y sobre todo, no querer pelear contra su enemigo ancestral: los dragones. 

Meterse a animar agua, fuego y humo, todo en la misma secuencia, es un reto que la casa supo enfrentar de manera impecable. La conjunción de estos elementos aunados a la sensación de estar volando en la espalda de uno de estos seres alados, prueba un gran salto en cuanto a precisión técnica; mucho mejor cuando se expone al 3D, superando con creces lo hecho en MONSTRUOS VS ALIENS del 2009.

Pareciera que el contenido es demasiado “masculino”, sin embargo, esto debe pasar a segundo plano al atestiguar que se tocan temas más universales como el madurar adolescente, los ritos de iniciación culturales, la tolerancia, la interacción con personas de capacidades diferentes y, de manera mucho más profunda, las relación padres e hijos. Cabe destacar la conclusión de la cinta, que demuestra que los actos tienen consecuencias y que provoca que esta animación se separe de otras de finales inmaculados. Inusual para un mercado infantil, pero que marca la diferencia.

CALIFICACIÓN

9.5